中国画欣赏浅谈 济南老年人大学 张成泽

中国画是中国传统民族绘画的统称，也称国画或水墨画。它以墨为主要颜料，以水为调和剂，以毛笔为主要工具，以宣纸和绢帛为载体的具有民族特色的特有画种。它植根于华夏浓厚的文化沃土之中，跨越不同时空，历经萌芽、发展、成熟、创新、再发展的诸多不同阶段，形成了融汇民族文化素养、思维方式、审美意识和哲学观念的完整的艺术体系。它与西方的油画形成了两座并峙的艺术高峰。

在改革开放之今日，东西文化碰撞加剧，加之理论上的混乱、误导，人们的思想异常活跃，部分画家对传统艺术产生了动摇，对现代派、后现代派、形体艺术追捧有加。一时间出现了大众普遍不认识，行家普遍读不懂，光怪陆离的新样象。“佝偻”、“泼皮”、“人猪交配”、“裸体吊挂”、“裸体书绘”纷纷登场。这叫艺术吗？这叫中国画吗？国人发出了哀叹！

诚然，中国画是在创新中发展的，可以肯定地说，没有创新就没有历代崛起的大师、巨匠。稍懂些绘画常识的人都知道，这些大师、巨匠无一例外的均是在传统基础上的创新、发展。他们在用笔、用线、用墨、用彩上有自己的见解和突破，始终没有脱离绘画的自身规律，没有脱离绘画的常理与绳纲。

何为绳纲呢？余以为：谢赫提出的“六法”论；顾恺之提出的“以形写神”；张彦远指出的“载其容，备其象”；荆浩提出的“六要”原则；齐白石提出的“似与不似之间”。是也。

从早期的工匠画到五代开始的宫庭画，从达官显贵的皇臣画到宋元兴起的仕夫画，“锦衣”画家也好，“布衣”画家也罢，大凡成就卓著者，其学识涵养无不精深，传统功夫无不深厚，个性风格无不突出。其作品或质朴自然、朴茂天真，或雄强豪放、高古苍华或温润典雅、清逸秀隽，无不遵循着绘画规律和绘画准则。无不漫溢着自然韵律和生动气息，无不动人心魄，启人遐思……

目前的状况是：绘画的多，画好的少；喜欢画的多，真正懂画的少。有的叫喊着“传统”，在作品里却见不到传统的影子，根本就没钻进去，谈何从传统中打出来。有的呼吁着“创新”，其作品远没冲破传统的樊篱，不师自然，抱残守缺，谈何出现新面目。

有的学画十几年，不知“六法”为何物，不晓“三七停”起手式，不懂黑、白、灰的协调关系。画上一两个品种，号自称“王”，“画山不过三五峰，画水不过三五波”，岂不笑话。有的优劣不分，只学低的，不师高的，岂知已有“师其高而得其中，师其中而得其下”的衷告。初涉此道的鉴赏家、收藏家，分不出作品的高下，只认画家的名气，不认画家的作品；把赝品当真迹的不少，视瑕疵为珍宝的有之。上述现象比比皆是。在对中国画大多人看不懂、不会看的状况，有必要老调重弹。现就如何欣赏、解读中国画谈谈个人的浅见。
欣赏作品要看气韵

早在一千五百年前，南齐的谢赫就提出了品画艺术的标准“六法”论。即：“气韵生动、骨法用笔、应物象形、随类赋彩、经营位置、传移模写”六项法则。气韵生动，是对作品的总体要求，是艺术应达到的最高境界。也是品评、赏析中国画的主要原则。

气韵，在传统中国画中，是指神气与韵味的总和。石涛曰“作书作画，无论老手后学，先以气胜得之者，精神灿烂，出之纸上”。稍注于此，曰“气”词组不胜枚举，如：气韵、气脉、气场、气概、气象、气机、气势、骨气、古气、豪气、霸气、灵气、逸气、墨气、匠气、俗气、小气、篆籀气、金石气、阳刚气、氤氲气、寒酸气、脂粉气……等等。可见“气”字弥漫四散！既有崇高之气，亦有形下之气。

元代杨维桢指出：“故论画之高下者，有传形，有传神。传神者，气韵生动是也。”清代唐岱谈到：“六法原以气韵为先，然有气则有韵，无气则板呆矣。”清方薰则说：“气韵生动，须将生动二字省悟，能会生动，则气韵自在”。由于历代艺术家的分析、总结，气韵生动成了绘画的首统要义，成为画家在创作中追求的最高目标，也成为中国画品赏的主要准则。

时空转换，万物生长皆有规律；人间百事，事事皆有准则。绘画也不例外。中国传统人物画强调“动势、”“传神”、“神气”，山水画重视“气势”、“意境”、“气象”，花鸟画侧重“态势”、“生机”、“意趣”，所有这些无一离开气韵生动这一绳律。

总之，气韵生动是绘画的一种整体感应，是一种精神透析，是一种生命状态的领悟。好的作品总是伴随着气韵而生，历史上流传下来的佳作，都具备气韵生动的特点。

欣赏作品要看笔墨

“六法”中,谢赫将“骨法用笔”列在第二位。“骨法”在中国画中指的是运用线条作为骨架进行造型的方法。它融合了汉字法书中用笔的规律和美学原则，体现出线条的力度、质地和美感。通过不同的线条去体现笔墨的动态、势向、韵律、节奏，以写神、写性、写心、写意为目的。所以说，写意性是中国画的精神实质。即便是写实性较强的工笔画，也与西方绘画的纯再现有着质的区别。它始终飘游着一种直抒胸臆，遗貌取神，贵在神似的写意精神。更直白地说工笔画也是意象画，只是较为工细罢了，写意也含有工笔的成份，只是更粗放了一些。

中国画以线条构成，是与中国艺术家对线条的情有独钟和独特感受分不开的。我们绘画的先祖认为，以点作画易于零散、琐碎，以面作画易于模糊、平板，用线最易捕捉物体的形象及动感，最适宜发挥毛笔、水墨、宣纸绢帛的特性。可以说线条是中国画家独到的艺术语言，是中国画的灵魂，是作者在抒情达意中的宣泄。

千百年来，中国艺术家伏案笔耕，利用不同的笔法书写着粗细、曲直、刚柔、毛涩、疾徐、虚实、顺逆、繁简等不同质地、不同感觉的线条，并用这些含情线条的渐变、排列、组合、交搭、分割、呼应，在画面上构成造型的诸多形式。

用于绘画的线条是有生命力的。抑扬顿挫、疏密粗细、快慢虚实、浓淡干湿、无不显现着画家的才思、功底。国画大师黄宾虹先生把绘画的点线用五个字概括：“平”、“留”、“圆”、“重”、“变”。平：如锥划沙，笔锋与纸保持在一个水平上，运压力与提浮力相衡。留：如屋漏痕，笔在运行中感觉有阻力，在与纸摩擦的阻力中艰涩前行。圆：如折钗股，指用笔圆浑有力，浑厚、不露锋芒，富有弹性。重：如高山坠石，用笔要用劲，要有力度，力透纸背；打点，象高山掉落的石块那样有份量。变：变化，笔划形成多样性对比，不雷同。

运用在绘画中的气与力是紧密联系在一起的，没有气就谈不上力，中国画家讲究以气运力，有气为活笔，无气为死笔。笔断意连、形断气连、迹断势连均有气接，因而作品才能气势逼人。

笔韵是中国画家追求的较高境界。运笔时所表现出的一种内在节律，情感起伏，通过气与力的统一变化而形成用笔的韵律感和节奏感，亦是画家心弦的拨动。

笔力、笔气、笔韵是有机的统一，以气统力、统韵，以韵助气、助势，三者完美的结合，方称上佳的用笔。或古拙质朴、浑厚苍劲、刚健挺拔或含蓄内敛、简约空灵、飘逸洒脱，无不是画家千锤百炼，用心血和汉水浇灌的结果。相反，板、刻、结、漏、死、滞、浮、弱、俗的线条是画家所不取的。驾驭线条的能力，也是衡量画家水平的关键。

中国画以墨为主、以色为辅，是其基本特点，笔墨二字几乎成了中国画的代名词。如果说西画是体、面和色彩的交响，那么中国画就是点、线是与水墨的协奏。墨分五色，释为焦墨、浓墨、重墨、淡墨、清墨五大色阶，并由五种色阶之间（加水量多少）形成的无数细微的渐变。唐代张彦远在论墨时说：“草木敷荣，不待丹绿而采，云雪飘扬，不待铅粉而白，山不待空青而翠，风不待五色而纟卒。是故运墨而五色俱，谓之得意。意在五色，则物象乖矣。”说明墨不仅能决定形象，分出明暗，拉开距离，代替色彩，还能制造画面的气氛。中国画家深谙绘画要旨，认为：画面太枯则有燥气，画面太湿则无生气，墨无变化则僵滞死板。因而数块浓墨必以淡墨破之；一片淡墨必以浓墨破之；一片枯墨必以湿墨润之；一块湿墨必以枯墨提醒。观其面目时往往尚未看清具象形态，就已被画面笔墨中溢出的抽象意韵所感染。在欣赏中国画时往往也从这里入手。

在中国画创作中，始终离不开墨。用墨有几种主要方法。

泼墨法：指大笔饱蘸水墨，阔笔大泻，笔酣墨畅，一气呵成。或将大量的墨泼洒于画面局部，用笔顺势利导。

积墨法：是一种先淡后浓、或先浓后淡，层层叠加，反复积染，形成浑厚朴茂。

破墨法：有浓破淡、淡破浓或水破墨，在前一种墨色未干时，适时适度画第二遍，对原有墨色实施渗破，使之浑然交融。

宿墨法：隔夜的墨或墨已干透，利用墨胶分开、有沉淀、光泽弱的特性，化开再用。

还有渍墨法、蘸墨法等等。好的画无不在用笔、用墨、用线、用水方面有高妙之处，在画面上显现出浓淡干湿变化。古人说的更好，谓之“干裂秋风，润含春雨”。

欣赏作品要看构图、形式

中国画的构图有多种形式，也有多种提法，习惯称谓“章法”、“布局”。东晋顾恺之称之为“置陈布势”，谢赫则称之为“经营位置”。提法虽不一，但其意相同，即作者将要表达的内容与形式加以组织、安排，构成一个体现个性、呈现气势、和谐统一的整体画面。一幅作品境界或高或低，或奇特或平庸，构图至为关键。构图的好坏，对作品的成败起着决定性的作用。

构图法则有其自身规律，最主要的规律就是辩证法中的对立统一。凡符合对立统一规律的作品，就耐看，就有美感，就有吸引力，反之，美的因素就会大打折扣。构图的来源是生活，是眼界，是修养，是格调。

构图具有极大的灵活性，因为中国画使用独特的散点透视法。用这种透视法来展现绚丽多姿的世间万物，给作者带来极大的自由性和灵活性。它不受时间和地点的限制，不求物体具象，只求构思和形象入“理”。

无论三角形构图、拱状形构图，对角形构图，还是“S”、“A”、“Y”型等构图，无论画面大小，幅式横竖，大凡优秀作品均能体现出构图势向，由构图势向产生不同的视觉效果。

中国画讲究稳中求奇，险中求稳，着意对比，打破对称，形成一个富有节奏的协调整体。中国画多采用“三七停”起手法则，多把主体物象放在三七点上，对打破均衡，匀称起到至关重要的作用，也易于形成韵律节奏，给观者以视觉美感。

中国画博大精深，源远流长，融诗、书、画、印于一炉。宋人邓椿说：“画者、文之要也。”“画到极至”谈何容易，能创作出一两件与众不同，经得起历史检验的作品也并非易事。因循守旧不行，越雷池甚远也不行；不师古人不行，师古不化也不行；不师自然、不师心不行，走捷径、搞旁门左道更不行。

绘画有高有低，因而就有了不同时代的品评标准。张怀瑾提出了“神”、“妙”、“能”三品，朱景玄提出了“神”、“妙”、“能”、“逸”四品，黄修复则强调“逸”、“神”、“妙”、“能”四格。张彦远定了“自然”、“神”、“妙”、“精”、“谨细”五品级。不论是神先逸后，还是逸先神后，都说明中国画家始终追逐着高品位。充满着美学意识，自我意识，在借鉴传统的基础上艰难探索，力求创出个人高雅的风格，力争呈现出更加自然的气息。

看画还要远观其势，近取其质。利用不固定的视距、观其物象。远看大势气韵，近看点线质量。“豪放不忘精微”往往在细小的部分更能体察作者的绘画能力。

“六法”精论，千古不移，是画学传统的金科玉律。在中国绘画史上这一理论具有无法撼动的深远作用。也是时下评价、品赏中国画的根本法则。凡属画人必受这一法则的约束和检点，用这一法则鉴赏，评价中国画作品，其高低自可辨也。